Il y a 20 ans tout juste sortait Goodbye Lénine !, l'un des rares films allemands du 21ème siècle à s'être imposé largement au-delà de ses frontières, aux box-office comme en termes de récompenses. le second est la Vie des autres qui sortira trois ans après. Tous deux ont gagné le prix du meilleur film européens, respectivement en 2003 et 2006, mais ils quelques autres points communs.

Le paradoxe de leur succès international veut que cela vienne de deux films qui s’appuient sur un épisode très spécifique de l’histoire allemande : le passage de la RDA à l’Allemagne unifiée.
Leur structure narrative est quasiment symétrique autour de cet événement. Goodbye Lénine débute par un prologue en Allemagne de l’Est mais l’essentiel de l’intrigue se passe après l’Unité allemande, soit l’exact opposé de la Vie des autres qui se déroule essentiellement en RDA avant son épilogue postérieur à la chute du Mur de Berlin.

Hasard, ces deux films allemands ont pour thème le mensonge. Il faut dire que le pays, coupé en deux jusqu’en 1990, s'y connaît dans le domaine : il a été le théâtre de propagande d’État, de secrets pour passer à l’Ouest et d’affaires d’espionnage qui ont émaillé l’histoire du pays pendant près de 50 ans. Le héros de Goodbye Lénine ment à sa mère pour garantir sa santé tandis que celui de la Vie des autres ment dans ses rapports de la Stasi pour protéger un dramaturge non collaborationniste. Ces mensonges sont non seulement scénaristequement justifiés par une question de survie mais aussi par un autre mensonge de celui à qui ils mentent : la mère a menti à son fils sur son père tandis que le hiérarchique de l’agent de la Stasi ment sur la raison de la mise sous surveillance de l’artiste.

Le thème du mensonge contraste avec la volonté artistique d’inscrire ces deux films dans un univers réaliste. L’univers de la RDA passe par des objets iconiques est-allemand pour Goodbye Lénine et le strict respects des procédures de la Statsi pour la Vie des autres.
Le cinéma est aussi affaire de point de vue car cela reste des fictions. Sur la forme, le réalisateur de Goodbye Lénine a choisi une orientation comique quand celui de la Vie des autres a retenu une perspective plus émotionnelle. Sur le fond, le premier joue sur la nostalgie d’une société révolue quand le second en fait un procès sans concession. Les cornichons du Spreewald contre la Stasi.

Pour Jean-Luc Godard, « la photographie, c’est la vérité et le cinéma, c’est 24 fois la vérité par seconde ». Pour les réalisateurs allemands Wolfgang Becker et Florian Henckel bon Donnersmark, un film n’est plutôt qu’un enchainement de 24 mensonges par seconde.

Il y a 40 ans un film du Botswana s'imposait et faisait rire le monde entier. Un film loin des standards habituels des films africains, mêlant documentaire et comédie tout en utilisant des ficelles du cinéma burlesque du cinéma muet. ​Tous sauf quelques uns.

Le Botswana, un pays que peu de gens pouvaient placer sur une carte du monde. Un monde qui au cinéma se résume trop souvent au cinéma national et aux productions anglo-saxonnes.

Le thème de cette comédie africaine parle au public occidental. C’est une critique de la société de consommation où un objet inconnu (en fait une bouteille de Coca-Cola) tombé du ciel (en fait d’un avion) sème la zizanie dans une tribu amenant l’un de ces membres à la jeter au bout de la terre (en fait d’une montagne).

Les dieux sont tombés sur la tête connaît un triomphe partout où il sort. D’abord en Afrique du Sud en 1980, puis en Europe entre 1981 et 1983. Dans les salles françaises, le film attire 6 millions de spectateurs, devenant le plus gros succès de l’année devant Adjani (L’été meurtrier) et Belmondo (Le marginal). Au Etats-Unis et en Australie, il sort en 1984. Il rapporte 30M$ au box-office américain, soit pratiquement autant que Terminator. En Australie, il se maintiendra sur les écrans pendant 2 ans et demi. Une suite arrivera en 1989.

Le film s’impose parce qu’il est « sympa ». Il gagne le Grand Prix de l’humour de Chamrousse. L’excellent bouche-à-oreille lui permet de multiplier par 20 son score de la 1ère semaine (contre 3 habituellement). Sa cote d’amour est exceptionnelle. Les spectateurs évoquent un film « formidable », « poétique », « humaniste ». Les critiques tiennent à soutenir une des rares productions du Botswana.

Pourtant le film porte une vision contestable du rapport entre les occidentaux « civilisés » et les bushmen du Kalahari (et plus largement les personnes de couleurs). Le réalisateur se moque des blancs et des noirs mais pas de la même façon : seuls certains personnages blancs ont des comportements comiques alors que tous les bushmans sont présentés comme culturellement ridicules et tous les révolutionnaires comme des guerilleros incompétents. Quant à l’intrigue, elle montre comment noirs et blancs vivent plus en harmonie dans leur communauté respectives avec leurs normes culturelles.

Il s’avère que si le film est bien sorti sous les couleurs du Botswana, il fut en fait financé par des producteurs d’Afrique du Sud et son réalisateur comme ses principaux acteurs sont sud-africains. Cela est dû à la volonté du distributeur de contourner l’embargo informel qui existait alors contre l’Afrique du Sud et sa politique d’apartheid. En Angleterre, le subterfuge fut d’ailleurs repéré et le film retiré des cinémas après une semaine seulement.

Voici comment le même film est devenu un agréable divertissement pour les uns et un film raciste pour les autres. À redécouvrir à l’heure du wokisme pour se faire sa propre opinion.

Il y a 15 ans exactement sortait le deuxième chapitre de Christopher Nolan dédié à Batman. Si on célèbre plus particulièrement l'œuvre centrale de la trilogie, c'est parce que cet épisode a indéniablement laissé l'empreinte la plus forte, tant chez les amateurs de super-héros que chez les cinéphiles.

L'unanimité autour de The dark knight est suffisamment rare pour être soulignée : réussir la synthèse entre un vrai film d’action autour d’un vengeur costumé et une puissante œuvre sur notre société malade. Épique et réflexif, en même temps.

Car The dark knight est un film qui s’inscrit dans son époque tout en résistant au temps.

« Dans son époque » car la trilogie du Chevalier noir, comme les deux autres films de la trilogie, porte les stigmates des attentats du 11 septembre (2001). Le premier film a été mis en production deux ans après le traumatisme américain, à une époque où le gouvernement avait lancé son action de rétorsion (War on terror) challengeant les libertés individuelles et mobilisant ses armes militaires contre l’avis de ses allés. C’est exactement ce que fait Batman (mise sur écoutes généralisée, utilisation d’armes militaires, exécution sans jugement) pour tenter de trouver et d’arrêter ses ennemis qui multiplient les actes terroristes dans les trois films.

« Résistant au temps » car le film adopte un ton sombre et réaliste qui le détache des ambiances pop et colorées du genre superhéroïque pour une forme plus contemporaine rappelant le polar urbain. Le film parle de sacrifice et résilience, de perte de ses proches ou encore de choix autour des notions subjectives de bien et de mal. Nul doute que chaque spectateur sait y trouver des émotions qui lui parlent car les décors et l’aspect politique ancrent le film dans une réalité crédible.

C’est finalement une tragédie portée vers l’empathie. The dark knight traite du combat permanent que chaque individu doit gérer entre ses aspirations positives et ses pulsions négatives. Pour l’illustrer, Nolan joue avec Harvey Dent (futur Double Face), le Chevalier blanc, qui défend la justice par la loi, et Bruce Wayne (double de Batman, le Chevalier noir) qui défend le bien par la force. Chacun est le fruit d’une histoire différente mais tous deux sont des rivaux pour conquérir le cœur d’une même femme (symbole du bien). Le Joker, personnage nihiliste sans passé ni empathie, va s’acharner à démontrer la fragilité de ces équilibres et interroger la notion de héros. « Soit on meurt en héros, soit on survit assez longtemps pour endosser le rôle du méchant » annonce Dent à Wayne. Le scénario multiplie les dilemmes moraux pour engager émotionnellement le spectateur, notamment dans la scène des deux ferrys qui reproduit le dilemme du prisonnier.

De fait, le film s’avère l’un des rares grands succès populaires auquel a été attaché un culte immédiat. Un sommet de la pop culture.

Le box-office propose parfois des matchs improbables. les plannings de sortie des films sont partagés par les studios à l'avance pour préempter les meilleures dates. Ainsi Avatar 5 est déjà positionné pour le 19 décembre 2031 (dans 8 ans !). Il arrive pourtant que deux blockbusters choisissent de s'affronter le même jour. ​Il y a rarement deux vainqueurs.

Le match entre Barbie🧍‍♀️et Oppenheimer💥 relève de la contre-programmation. Barbie est un film pétillant et féministe qui joue la carte du divertissement traquant une audience jeune et féminine (à 75% le 1er jour) tandis qu’Oppenheimer est une œuvre édifiante sur la sombre histoire américaine (bombe A, Maccarthysme) destinée à un public plus âgé et masculin (à 70%).
Pourtant cette fois, ce n’est pas deux blockbusters navigant sur des recettes éculées. À leur tête, on a deux auteurs bénéficiant d’un gros budget (+100 M$ chacun) et d’un casting attractif : 
- Greta Gerwig, cinéaste réputée du cinéma indépendant qui s’essaye pour la première fois à un Blockbuster jouant avec le second degré,
- Christopher Nolan, réalisateur habitué des blockbusters cérébraux qui s’essaye pour la première fois à un Biopic jouant avec la narration.

Divertissant et édifiant, les deux attentes au cinéma, variant selon le spectateur, selon le film.

La carte des recherches Google par État américain la semaine précédant la sortie montre une scission du pays entre ces deux tendances. Globalement les côtes ouest et est votent Oppenheimer tandis que le centre et le Midwest soutiennent Barbie. On retrouve la fracture politique du pays entre démocrates et républicains. Il faut reconnaître que l’approche du film Oppenheimer a de quoi pleinement satisfaire les démocrates. Pour Barbie, c’est plus contrasté mais la poupée a longtemps renvoyé aux stéréotypes d’une vision conservatrice de la place des femmes.

Pourtant les deux films dépassent ces clichés pour proposer deux spectacles réussis dans leur genre (avec un taux de satisfaction plus élevé pour Oppenheimer).
La compétition s’avère fructueuse car elle transforme cette semaine de cinéma en événement pour des films pas si simples à vendre quand on parle d’un film sur une poupée des années 50 et un film historique de 3 heures partiellement en noir et blanc. Créer l’événement est devenu essentiel pour canaliser le tunnel de transformation de la sortie au cinéma payante face à la multiplication des loisirs prépayés : donner envie (intention) et passer à l’action (engagement). Résultat, deux gros succès, avec Barbie devant pour l’instant (162M$ vs 82 M$ en 3 jours aux seuls USA, mais avec 70% de séances en plus).

Alors match nul ? On a plutôt deux vainqueurs cette fois. Plus de 200.000 américains avaient annoncé vouloir voir les deux films le jour de leur sortie. Le bouche-à-oreille devrait les porter tout le reste de l’été. À la fin, c’est surtout le cinéphile qui gagne.

Avec le retour sur les écrans du célèbre archéologue pour une cinquième (et dernière) aventure, c'est un cycle qui s'achève. Le héros parait anachronique aujourd'hui. Pourtant Indiana Jones s'est construit dès le début comme un personnage à la fois d'une autre époque et aussi le résultat bien actuel de la cinéphilie de ses créateurs.

Dans les années 70, de jeunes cinéastes prenaient le pouvoir. Précédemment, les grands studios contrôlaient toute la chaîne de fabrication et imposaient une certaine vision de la société. Mais la génération qui arrive alors s’est construite sur une double référence qui va donner le « Nouvel Hollywood » :
   - les feuilletons télévisés qui ont forgé l’imagerie des enfants des années 50,
   - la contestation des valeurs des étudiants des années 60.
Si Francis Coppola ou Martin Scorsese privilégient la seconde tendance pour aborder des thèmes jusqu’alors tabous au cinéma, George Lucas et Steven Spielberg se revendiquent plutôt comme des enfants de la télévision.

C’est Lucas qui convainc son ami de filmer une histoire inspirée des serials autour de l’Arche d’alliance à retrouver avant les nazis.
Créer à deux oblige aux compromis. Alors que Spielberg imagine un noble aventurier crasseux, Lucas veut un playboy pilleur de tombes menant grande vie. Le scénario synthétisera ces visions opposées avec la double vie du héros : professeur émérite dans le civil mais aventurier mal rasé sur le terrain.

Pour créer l’ambiance du film, les références sont nombreuses : le trésor de la Sierra Madre (1948) et le défilé de la mort (1943) pour le look d’Indy ou le Secret des Incas (1954) et Zorro (1937) pour les péripéties. Mais le ton du film est donné par un film avec Jean-Paul Belmondo et une BD belge : Spielberg se souvient avoir apprécié L’homme de Rio (1964) mais il ignore que ce film français s’inspire de Tintin. Ce n’est qu’après la sortie au cinéma que Spielberg découvrira le petit reporter belge et en achètera les droits pour en faire un film 30 ans plus tard.

Le choix d’acteur pour jouer Indiana Smith (1er patronyme du héros) ne fut pas évident. Tom Selleck d’abord envisagé dut refuser pour incompatibilité d’agenda avec la série Magnum. Harrison Ford est alors imposé par Spielberg face à un Lucas réticent à réembaucher son acteur de Star Wars. Le comédien apporte une touche old school et aussi une certaine ironie.

Cette ironie va parfaitement avec un scénario qui décrit Indiana Jones comme téméraire et gaffeur. Chaque action héroïque est contrebalancée par de l’autodérision. Un exemple : le combat au sabre qui s’annonçait épique est avorté lorsque l’archéologue sort son pistolet pour se débarrasser de son adversaire. Cette scène improvisée au tournage reste un des meilleurs gags du cinéma et s’intègre parfaitement au film.

Au final, Indiana Jones (1981) s’avère une parodie du film d’aventure des années 30 tout en restant un grand film du genre. C’est cette double lecture, premier degré et méta, qui lui permettra de clore le Nouvel Hollywood (pour un nouveau cinéma de divertissement) et de rester intemporel. La marque d’un chef d’œuvre, indéniablement

Il y a trente ans, le 11 juin 1993, sortait aux Etats-Unis Jurassic park qui allait faire basculer l'histoire des effets spéciaux dans l'ère digital. Un film qui fait écho à la filmographie du créateur de E.T.

Steven Spielberg était alors le wonder boy du box-office cumulant les succès depuis une vingtaine d’années. Il s’était fait connaître en concevant, à 24 ans, un téléfilm, adapté d’une courte nouvelle parue dans Playboy, qui voyait un automobiliste lutter pour sa survie face à un camion hostile et anonyme : Duel .
L’’accueil fut tel qu’Universal décida de l’exploiter au cinéma en Europe. Le studio le proposa au premier festival du film fantastique d’Avoriaz (présidé par René Clément, le réalisateur de Jeux interdits) où il gagna le Grand Prix. Le décor désertique renvoie à l’univers du western d’un affrontement entre le bien et le mal dans un monde sauvage.
Déjà le cinéaste américain pose les bases de son cinéma : l’homme ordinaire (le héros s’appelle d’ailleurs « Mann ») confronté à une situation extraordinaire. Ici un monstre mécanique via un énorme camion citerne.

Il reprendra ce même principe trois ans plus tard en adaptant le livre Jaws (« Les dents de la mer » en français), toujours pour Universal. Si dans le roman, le personnage principal est arrogant, vulgaire, et même lubrique, il devient un américain moyen, sympathique et attaché à sa famille qui s’imposera comme le véritable héros à côté, pourtant, de deux spécialistes de la mer (un pêcheur et un océanographe). Ce qui intéresse Spielberg dans ce roman, c’est la seconde partie où les protagonistes luttent pour leur survie, seuls sur un bateau au milieu de l’ocean vide et sauvage : pour une chasse extraordinaire. Ici un monstre aquatique via un grand requin blanc.

Et donc en 1993, Spielberg remet ça avec Jurassic Park. Cette fois encore, il y a à l’origine une œuvre littéraire préalablement, un roman écrit par Michael Crichton avec qui le réalisateur coopérait sur la série Urgence. Il a donc accès au roman avant sa parution. Et Universal et Spielberg (co-producteur également) n’hésitent pas à débourser 1,5 M€ pour en acheter les droits. Il change le héros hâbleur et baroudeur en un introverti récalcitrant à grimper aux arbres, plus conforme à son idée de l’américain moyen auquel le spectateur pourra s’identifier lorsqu’il luttera pour sa survie. Le film place les protagonistes sur une île isolée et encore sauvage pour une traque inversée. Ici le chasseur est un monstre préhistorique via un tyrannosaure rex.

Dans Rencontre du troisième type, écrit par Steven Spielberg lui-même, un personnage décrit ainsi les personnes qui ont reçu le message extraterrestre : « ce sont des gens ordinaires dans des circonstances extraordinaires ». Il utilisera ce même procédé avec E.T.. Sauf que ces « gens ordinaires » sont alors un alien abandonné à trois millions d’années lumière de chez lui. Ici face aux pires monstres de l’univers, les humains.

​A l'heure où les capacités de l'intelligence artificielle interrogent sur l'obsolescence de certains emplois et l'éthique des algorithmes, certains précurseurs de l'IA sonnent l'alerte rappelant quelques prophéties bien connues des cinéphiles, le cinéma se projetant dès 1902 et Méliès dans notre futur.

Il y a juste un siècle Fritz Lang et son épouse Thea von Harbou imaginent le premier robot prenant apparence humaine, en l’occurrence d’une femme. Déjà le danger de l’IA est là, même s’il faudra attendre presque 25 ans et les travaux de Alan Turing - héros du film Imitation game - pour que les premiers travaux scientifiques s’organisent autour de la recherche pour imiter l’intelligence humaine, voire de la dépasser.

Le cinéma de science-fiction sera friand de cette capacité projetée des ordinateurs. Il s’agit au début d’assister l’Homme (comme dans Planète interdite en 1956). Mais les scénaristes en perçoivent le potentiel dramatique : le robot d’abord docile se révolte comme dans Westworld (le film, 1973) puis plus tard dans Alien, Terminator, I Robot et même Avengers (Ultron).

Déjà Hall900, l’ordinateur de bord de 2001 : l’Odyssée de l’espace (1968), devenait un danger. Car l’IA n’a pas besoin d’être humanoïde pour être dangereuse. Dans Wargames (1983), c’est un PC de gamer raccordé à l’ancêtre d’internet qui s’apprête à lancer une guerre nucléaire, par jeu. Moins réalistes, les univers japonais de Ghost in the shell (1995) et américain de Matrix (1999) montraient un monde où le code prenait le pouvoir à l’image de Tron (1982), premier film en image de synthèse.

Mais les meilleurs films ont plutôt utilisé ce thème pour aller challenger ce qui fait la conscience humaine en confrontant l’Homme à sa copie numérique. C’est au cœur de :
- Blade runner et ses replicants voulant juste vivre au-delà de leur date de péremption (« tous ces moments se perdront dans le temps… comme les larmes dans la pluie »),
- Electric dreams et son ordinateur amoureux (« Qu’est-ce qu’un rêve ? »),
- I.A. et son humanoïde rêvant d’être aimé comme un vrai petit garçon (« Je ne suis pas un jouet ! »),
- Ex-machina et sa femme-objet voulant échapper à ce statut (« n’est-ce pas étrange de créer quelque chose qui vous déteste ? »),
- Wall-e et son émouvant robot (« pendant 700 ans, il a fait ce pourquoi il a été programmé, il va enfin découvrir sa véritable destinée »),
- Westword - la série - et ses « hôtes » désirant rencontrer leur créateur (« certaines personnes choisissent de voir la laideur de ce monde, sa confusion. Je choisis d’en voir la beauté. Pour croire qu’il y a un sens à nos vies »).

Et lorsque l’humain comprend que l’intelligence artificielle ne s’avère n’être qu’une machine, c’est le héros de Her qui déprime… après avoir enfin connu une « vraie relation ».

Décidément, voilà un sujet bien compliqué. Humainement

Parangon du blockbuster ayant généré tout un univers fictionnel et des produits dérivés bien réels, Star wars a pourtant commencé de façon modeste cinq ans avant sa sortie et ses influences sont encore plus anciennes chez les jeunes Lucas. Quelle ironie pour un film qui aura tant influencé les générations futures et l'histoire du cinéma.

À l’origine, George Lucas découvre la structure récurrente des mythes et du voyage initiatique du héros pendant ses études d’anthropologie (1962/64). En 1968, il est marqué par les effets spéciaux de 2001, l’Odyssée de l’espace. En 1971, alors que son 1er film est présenté à Cannes, il tente d’acheter les droits de Flash Gordon qu’il avait découvert enfant à la télévision, mais les ayant-droits veulent alors Federico Fellini à la réalisation.
C’est en attendant la sortie de son deuxième film, et bientôt grand succès, American Graffiti, qu’il rédige le premier script de Star Wars. Pour l’écrire, il se souvient du film Lawrence d’Arabie de David Lean (1962) qui décrit la fédération de tribus locales pour lutter contre l’Empire britannique et il en gardera aussi les déserts de la future planète Tatooine et l’un de ses acteurs, Alec Guinness, qui deviendra Obi-wan Kenobi. Quant à la princesse et aux deux droïdes, ils proviennent du souvenir de la Princesse Yukihime et des deux paysans de la Forteresse cachée d’Akira Kurosawa (1956).

Alors qu’Universal et United Artists avaient refusé le script, la Fox accepte de financer sa transformation en scénario : plusieurs versions se succèdent en 1974 et 1975. On y trouve le général Starkiller en héros de la 1ère version, puis son fils Luke devient le protagoniste principal des versions ultérieures, sauf dans une version intermédiaire où Luke est envisagé en fille. En août 1975, on est enfin assez proche de la version finale (on cherche encore un « cristal de Kiber »). On y lit pour la première fois « Que la force soit avec toi ». À cause d’une réduction de budget, le scénario est simplifié : Leïa n’est plus enfermée à la prison d’Aldorande, mais sur l’Étoile noire.

Pour le Casting, Lucas reçoit Kurt Russell (Luke), Jodie Foster ( Leila), Burt Reynolds et Christopher Walker (Solo). Ayant abandonné le métier d’acteur faute de rôle, Harrison Ford fait lui-même passer une cinquantaine d’auditions pour le rôle de Han Solo avant que Lucas ne le retienne alors qu’il voulait éviter de reprendre un acteur d’American Graffiti.

Le tournage commence en mars 1976 et dure quatre mois. C’est en plein tournage que le réalisateur choisit de sacrifier Kenobi, modifiant encore le scénario. Pour les effets spéciaux, il faut innover. Il sollicite les premières images 3D sur ordinateur pour simuler l’attaque finale lors du briefing des rebelles. La post-production prend du retard. Le personnage de Jabba The Hunt est donc sacrifié au montage pour éviter de finalisé la scène ; il sera réintégré 20 ans plus tard dans l’Édition spéciale.

Il manque encore la musique. Lucas la veut symphonique. Spielberg lui recommande pour ça John Williams qui a œuvré sur les Dents de la mer. Elle sera écrite en deux mois en utilisant des leitmotivs musicaux.

La guerre des étoiles sort le 25 mai 1977. La suite appartient à l’histoire.

​Il y a juste 25 ans, le 7 janvier 1998, sortait ce qui allait devenir le plus grand succès de tous les temps : Titanic, le premier film à plus de 2 Md€ de cette dans le monde et tout en haut du box-office français à plus de 21 millions de spectateurs.

Pourtant le succès n’avait rien d’évident. Au contraire, avant sa sortie, la presse annonçait déjà le « naufrage » commercial d’un réalisateur ambitieux, qui se prenait pour « le roi du monde » et dépensait sans compter l’argent du studio Fox (qui dut faire appel à la Paramount pour mutualiser le risque). Imaginez un film de 3h15, sans star (Leonardo Di Caprio ne le deviendra que grâce au film) dont on connaît déjà la fin. Il lui fallait rentabiliser un budget de 200 M$, le plus élevé, même à Hollywood, de ceux qu’on ne débloquait même pas pour des franchises au succès garanti. Rien de tel ici avec ce film catastrophe en costume, a priori un brun suranné. Lorsque la sortie américaine fut repoussée de juillet à décembre 1997, ratant la période faste du box-office estival, la rumeur courut que cela était dû à de mauvais retours des premiers spectateurs.
Il n’en était rien. Juste un réalisateur exigeant désirant peaufiner sa post-production pour faire le film dont il rêvait : il l’a écrit, produit, réalisé et monté lui-même.

Malgré sa durée qui fait perdre deux séances par jour aux exploitants, le film fut un triomphe un peu partout en réconciliant des spectateurs sensibles à la qualité de sa romance aux élans de Roméo et Juliette et un public avide des émotions fortes des blockbusters hollywoodiens. Du grand spectacle familial en bref. De quoi faire venir en salles des gens qui sortent rarement au cinéma. Un succès initial qui s’est progressivement transformé en phénomène de société grâce à un excellent bouche-à-oreille. Imaginez un peu : le film a multiplié par plus de 20 son score du premier week-end (29 M€ tout de même), contre un multiple de trois habituellement, tandis qu’en France, le film attirait encore 1,2 millions de spectateurs en neuvième semaine, un score enviable même au global pour bon nombre de film. Titanic était encore en tête des entrées hebdomadaires plus de trois mois après sa sortie aux Etats-Unis comme en France. Et sa musique, emmenée par son tube chanté par Céline Dion, ne fut pas en reste en dominant les hit-parades (disque symphonique le plus vendu au monde pour la bande originale et disque de diamant pour la chanteuse canadienne).

Aux Oscars, en mars 1998, le film fit une razzia historique en gagnant 11 oscars, comme Autant en Emporte le vent, le seul film de l’histoire du cinéma avec lequel il pouvait réellement être comparé.
Ce soir là, James Cameron cria en recevant son Oscar : « I’m the king of the world ». Personne ne voulait plus le contredire.

Six mois après une avant-première de prestige au Festival de cannes et avoir émerveillé l'Amérique, sortait enfin E.T. L'Extraterrestre, un "petit" film pour Steven Spielberg. ​C'était début décembre 1982. Il y A juste 40 ans.

Le film fut le plus gros succès de la période 1975/85 et constitue encore le film le plus vu au cinéma de son réalisateur pourtant habitué au box-office. Il a rapporté l'équivalent de plus de 2 Md€ de revenus au box-office mondial ajusté de l'inflation (soit le 4ème meilleur score de l'histoire du cinéma). 

À l’origine, Steven Spielberg avait prévu de faire un film effrayant, avec des extraterrestres terrorisant toute une famille dans sa maison. Mais il se souvint que le metteur en scène français François Truffaut, qui observa sa direction d’acteur en tant qu’acteur sur le tournage de Rencontres du troisième type, lui avait conseillé de diriger des enfants.
Il retint le conseil pour l’écriture du scénario de E.T qui devait s'appeler d'ailleurs A Boy's Life pendant la préproduction . Au passage, il lança la carrière de Drew Barrymore, 6 ans à l'époque.
Pour autant, il n’abandonna pas l’idée puisqu’il l’utilisa pour produire (et réaliser, dirent certains) Polstergeist, Un autre grand succès de l’année 1982.

Alors que les suites sont devenues la norme à Hollywood, Steven Spielberg, qui en détient les droits via sa société Amblin, a toujours résisté.
Pour garder le côté unique de ce « petit » film inégalé.