Le Festival de Sundance vient de primer un film anti-esclavagiste intitulé Naissance d'une nation, nommé ainsi en référence au film de D.W. Griffith. Sorti il y a tout juste 101 ans sur les écrans américains, Naissance d'une nation (1915) s'était imposé comme le plus gros succès commercial de son temps. Il fut rapidement qualifié de raciste et généra dès sa sortie une forte opposition mais il est toujours cité comme un film fondateur du cinéma et son succès de l'époque est révélateur de l'enthousiasme qu'il suscita auprès du public. Comment une œuvre peut s’installer avec une telle ambivalence culturelle ?
Naissance d'une Nation raconte l'histoire de deux familles l'une nordiste et l'autre sudiste dont le film prend le point de vue au moment de la guerre civile (dit de Sécession). L'intrigue - qu'on pourra lire ici détaillée - évoque les méfaits de la guerre sur les deux familles dont celle du sud victime de noir-américains pendant et après le conflit. Le film s'achève sur la constitution de deux couples, entre unionistes et confédérés, après une victoire du Ku Kux Klan nouvellement formé.
On le sait peu, mais lors de la première en février 1915, le film en deux parties de Griffith s'appelait The Clansman du nom du livre du pasteur baptiste Thomas Dixon écrit dix ans plus tôt. Ce n'est que trois mois plus tard qu'il prit le nom de Naissance d'une nation. Ce changement n'est pas innocent dans le positionnement du film vis-à-vis du public. Il impose comme directive de considérer le film non pas comme une histoire singulière, un cas particulier, mais au contraire, comme une illustration de l'Histoire.
On le sait peu, mais lors de la première en février 1915, le film en deux parties de Griffith s'appelait The Clansman du nom du livre du pasteur baptiste Thomas Dixon écrit dix ans plus tôt. Ce n'est que trois mois plus tard qu'il prit le nom de Naissance d'une nation. Ce changement n'est pas innocent dans le positionnement du film vis-à-vis du public. Il impose comme directive de considérer le film non pas comme une histoire singulière, un cas particulier, mais au contraire, comme une illustration de l'Histoire.
Rappelons que le point de vue qui sera porté sur le film est en rapport avec le type de lecture qu’en fait le spectateur. S’il le voit simplement comme une histoire de fiction, il relèvera la singularité des événements narrés et observera factuellement une histoire spécifique. Il n’a pas à généraliser la morale qu’il pourrait percevoir du film car le film raconte des événements anecdotiques et le spectateur n’est qu’un observateur. A l’inverse, s’il regarde le film comme une fable, il notera l’exemplarité des événements rapportés et portera un jugement sur une morale induite par des événements généralisables par analogie ; il pourra alors refuser le propos au nom du refus des valeurs édictées par le film. C’est le mode de lecture fabulisant ou discursif.
C’est l’autonomie du spectateur par rapport à l’énonciateur qui compose la distinction entre ces deux modes, fictionnalisant et fabulisant. Dans la fiction, il y a abandon à l’énonciateur qui construit un monde (fiction) ou qui a autorité sur notre monde (documentaire). Avec le mode fabulisant, il y a débat sur le monde du spectateur et le spectateur est amené à se prononcer sur le point de vue de l’énonciateur. C’est toute la difficulté d’un film dit historique qui crée une ambiguïté de fait entre fiction et documentaire. La situation peut être particulièrement ambïgue pour un film comme Noé (Darren Aronofsky, 2014) qui s’inspire de la Bible tout en s’autorisant des écarts pour être plus spectaculaire et « moderne », obligeant le studio Paramount pictures à sortir le film avec un avertissement indiquant que le film diffère de l’histoire biblique ; il s’agit de positionner le spectateur dans une lecture fictionnelle. A l'inverse, D. W. Griffith décida de précéder son film d'un texte indiquant : "nous ne demandons que le droit et la liberté de montrer le sombre côté du mal".
Chaque film peut être lu comme une singularité ou une fable. Comme le rappelle Laurent Jullier (2002), « bien des polémiques […] opposent ainsi des personnes qui voient le film comme une œuvre descriptive (La haine, La liste de Schindler, Le fabuleux destin d’Amélie Poulain, etc.) et des personnes qui le voient comme une œuvre prescriptive (respectivement : tuez ces salaud de flics de banlieue, Auschwitz au fond ce n’était pas si terrible on y prenait de vraies douches, vive la France lisse et propre) ». Cela relève de l’interprétation du spectateur. C’est pourquoi lorsqu’on veut en forcer la lecture, certains réalisateurs prennent la parole (Steven Spielberg expliquant en interview que l’absence de chambre à gaz dans La liste de Schindler est une singularité) ou choisissent de le spécifier au début du film (Roberto Benigni précisant par une voix-off au début de la version internationale de La vie est belle que le film est une fable alors que cette indication n’était pas dans la version initiale présentée au Festival de Cannes et en Italie).
A partir du film 300 (Zach Snyder, 2006) qui relate la guerre des Spartiates et des Perses pendant l’Antiquité, Régis Dubois a montré comment le public pouvait retenir des lectures différenciées entre une vision réactionnaire de l’Amérique du Président George W. Bush pour les uns et un film de pur divertissement « sans fond » pour les autres : aucun des deux camps ne comprend l’approche de l’autre et voit son interprétation comme une évidence car le film n’a pas été vu avec le même regard. Regis Dubois met en évidence que ces lectures différentes viennent pourtant d’un public homogène (au sein des critiques savantes d’une part et d’un public de sensibilité politique comparable d’autre part). Ainsi certains y voient un pur divertissement (fiction), d’autres un film de propagande (rhétorique) et enfin les derniers une reconstitution historique (documentaire). On pourra juxtaposer ces deux extraits d’internautes sur le forum du site du journal Libération pour se convaincre de regards posés différents : « Personne ne prend 300 pour un film historique. […] Ce n’est pas le reflet de la réalité » (redoudou) et « si les ennemis des spartiates sont basanés dans le film, c’est qu’ils devaient l’être dans la réalité » (xouxou32). C’est le rapport à l’objet filmique qui distingue ces spectateurs. Certains spectateurs pensent qu’analyser la dimension politique d’un film nuit à sa dimension de divertissement et vont donc repousser les lectures concurrentes à la lecture fictionnelle. D’autres considèrent le film comme le point de vue d’un auteur et s’attendent donc à y trouver une vision du monde subjective à déchiffrer.
C’est l’autonomie du spectateur par rapport à l’énonciateur qui compose la distinction entre ces deux modes, fictionnalisant et fabulisant. Dans la fiction, il y a abandon à l’énonciateur qui construit un monde (fiction) ou qui a autorité sur notre monde (documentaire). Avec le mode fabulisant, il y a débat sur le monde du spectateur et le spectateur est amené à se prononcer sur le point de vue de l’énonciateur. C’est toute la difficulté d’un film dit historique qui crée une ambiguïté de fait entre fiction et documentaire. La situation peut être particulièrement ambïgue pour un film comme Noé (Darren Aronofsky, 2014) qui s’inspire de la Bible tout en s’autorisant des écarts pour être plus spectaculaire et « moderne », obligeant le studio Paramount pictures à sortir le film avec un avertissement indiquant que le film diffère de l’histoire biblique ; il s’agit de positionner le spectateur dans une lecture fictionnelle. A l'inverse, D. W. Griffith décida de précéder son film d'un texte indiquant : "nous ne demandons que le droit et la liberté de montrer le sombre côté du mal".
Chaque film peut être lu comme une singularité ou une fable. Comme le rappelle Laurent Jullier (2002), « bien des polémiques […] opposent ainsi des personnes qui voient le film comme une œuvre descriptive (La haine, La liste de Schindler, Le fabuleux destin d’Amélie Poulain, etc.) et des personnes qui le voient comme une œuvre prescriptive (respectivement : tuez ces salaud de flics de banlieue, Auschwitz au fond ce n’était pas si terrible on y prenait de vraies douches, vive la France lisse et propre) ». Cela relève de l’interprétation du spectateur. C’est pourquoi lorsqu’on veut en forcer la lecture, certains réalisateurs prennent la parole (Steven Spielberg expliquant en interview que l’absence de chambre à gaz dans La liste de Schindler est une singularité) ou choisissent de le spécifier au début du film (Roberto Benigni précisant par une voix-off au début de la version internationale de La vie est belle que le film est une fable alors que cette indication n’était pas dans la version initiale présentée au Festival de Cannes et en Italie).
A partir du film 300 (Zach Snyder, 2006) qui relate la guerre des Spartiates et des Perses pendant l’Antiquité, Régis Dubois a montré comment le public pouvait retenir des lectures différenciées entre une vision réactionnaire de l’Amérique du Président George W. Bush pour les uns et un film de pur divertissement « sans fond » pour les autres : aucun des deux camps ne comprend l’approche de l’autre et voit son interprétation comme une évidence car le film n’a pas été vu avec le même regard. Regis Dubois met en évidence que ces lectures différentes viennent pourtant d’un public homogène (au sein des critiques savantes d’une part et d’un public de sensibilité politique comparable d’autre part). Ainsi certains y voient un pur divertissement (fiction), d’autres un film de propagande (rhétorique) et enfin les derniers une reconstitution historique (documentaire). On pourra juxtaposer ces deux extraits d’internautes sur le forum du site du journal Libération pour se convaincre de regards posés différents : « Personne ne prend 300 pour un film historique. […] Ce n’est pas le reflet de la réalité » (redoudou) et « si les ennemis des spartiates sont basanés dans le film, c’est qu’ils devaient l’être dans la réalité » (xouxou32). C’est le rapport à l’objet filmique qui distingue ces spectateurs. Certains spectateurs pensent qu’analyser la dimension politique d’un film nuit à sa dimension de divertissement et vont donc repousser les lectures concurrentes à la lecture fictionnelle. D’autres considèrent le film comme le point de vue d’un auteur et s’attendent donc à y trouver une vision du monde subjective à déchiffrer.
Le film de Griffith eu un grand impact. Tout d'abord, il conquis une grande partie du peuple américain qui en fit un triomphe. Longtemps le film fut la plus grosse recette du box-office avec plus de 10 M$ de l'époque, soit un score comparable aux plus gros blockbusters d'aujourd'hui. Il restera le plus gros succès d'un film américain pendant 22 ans et la sortie de Autant en emporte le vent. Il réussit à développer l'esprit national autour d'une certaine conception de l'Unité nationale, historiquement fausse, traduite dans la citation suivante issue du film :
" the former enemies of North and South are united again in common defence of their Ayrian Birthright"
Même s'il bénéficia d'une sortie mondiale (étalée sur plusieurs années), le film n'eut pas le même retentissement hors du territoire américain où le public ne pouvait s'appuyer sur un tel sentiment national.
D'autre part, le film marqua immédiatement l'histoire du cinéma. Les mouvements de foules, l'utilisation de la caméra (travelling), le dynamisme de la mise en scène et la narration avec flash-back n'étaient pas des innovations, mais le film les popularisa en Amérique [1]. La production d'alors était surtout constituée de films à l'histoire simple d'une quinzaine de minutes tournés avec quelques milliers de dollars. Naissance d'une Nation dure trois heures avec une entracte, évoque une époque en plusieurs périodes et a nécessité un budget de 100.000 dollars de l'époque. C'était la première fois qu'un tel film se voyait accompagné d'une bande sonore spécifique, le premier qui bénéficia d'une distribution d'une telle ampleur au-delà des villes, le premier à être projeté à la Maison Blanche (au Président Woodrow Wilson, ami de l'auteur du roman, qui fut bien embarrassé). Un remake fut même envisagé dans les années 30 et en 1954 pour offrir une vision modernisée. Avec le film de Griffith, le cinéma entrait réellement dans la modernité.
D'autre part, le film marqua immédiatement l'histoire du cinéma. Les mouvements de foules, l'utilisation de la caméra (travelling), le dynamisme de la mise en scène et la narration avec flash-back n'étaient pas des innovations, mais le film les popularisa en Amérique [1]. La production d'alors était surtout constituée de films à l'histoire simple d'une quinzaine de minutes tournés avec quelques milliers de dollars. Naissance d'une Nation dure trois heures avec une entracte, évoque une époque en plusieurs périodes et a nécessité un budget de 100.000 dollars de l'époque. C'était la première fois qu'un tel film se voyait accompagné d'une bande sonore spécifique, le premier qui bénéficia d'une distribution d'une telle ampleur au-delà des villes, le premier à être projeté à la Maison Blanche (au Président Woodrow Wilson, ami de l'auteur du roman, qui fut bien embarrassé). Un remake fut même envisagé dans les années 30 et en 1954 pour offrir une vision modernisée. Avec le film de Griffith, le cinéma entrait réellement dans la modernité.
Dans le cas de Naissance d'une Nation, il y a aussi une volonté manifeste de Griffith de faire un film édifiant, qui apprend sur cette histoire du peuple américain encore récente au moment de la sortie du film et qui tire sa fondation d'un conflit quasi-initiatique. Dans un certain sens, la victoire finale du Ku Klux Klan, groupement défendant la suprématie blanche issu de la défaite des états confédérés, est un contre-sens de l'histoire des États-Unis qui s'est construite sur la victoire du Nord unioniste sur le sud confédéré. Le film cherche à marquer cette dimension historique : sa durée de trois heures rare à l'époque démontre de sa dimension épique et sa construction couvrant à la fois l'avant, pendant et l'après la guerre. Michael Cimino fait la même chose avec Voyage au bout de l'enfer qui en trois heures couvre également, l'avant, pendant et après conflit vietnamien. On constate que le titre des deux films cherche à dépasser son sujet.
Le film garde encore aujourd'hui sa place dans l'Histoire du cinéma à ce titre On le trouve régulièrement dans la liste des films les plus importants de l'histoire du cinéma. Le célèbre historien du cinéma Georges Sadoul constata en 1952 que le film faisait date dans l'histoire du cinéma américain, indiquant qu'avec ce film "dans le Nouveau Monde, l'art cinématographique atteignait sa maturité". En 1998, il était 44èe du classement de l'American Film Institute (AFI). Il a néanmoins disparu du classement suivant de l'AFI en 2007 (le seul des 50 premiers avec Docteur Jivago). Il y a une raison à cette disparition : le film est ouvertement raciste et ça ne passe plus aujourd'hui, même en tenant compte du point du film dans l'histoire du cinéma. Les votants de l'AFI ont donc remplacé Naissance d'une nation par Intolérance du même réalisateur qui fait son apparition à la ... 49ème place. Sur IMDb, les internautes lui attribuent une note moyenne de 6,9 avec 28% des votants à 9 ou 10. Il faut rappeler que Griffith a réalisé Intolérance en 1916 pour réagir au mouvement de contestation qu'affronta Naissance d'une nation et à la difficulté à faire valoir la Liberté d'expression. Face à la contestation, la Court Suprême dû se prononcer et indiqua que le 1er amendement de la Constitution américaine ne pouvait s'appliquer. Déjà à l'époque, la vision morale du film avait choqué et de nombreuses villes (Chicago, Denver, Saint-Louis ...) interdirent le film.
Le racisme du film est manifeste. Le fait que les noirs soient joués par des blancs pourrait déjà poser problème mais cette pratique n'est pas isolée pour l'époque (la loi interdit le mélange des races jusqu'à l'obtention des droits civiques) et pendant longtemps le théâtre anglais, (à la Renaissance) mais aussi japonais et chinois avait pour obligation de faire interpréter les rôles féminin par des hommes, ce qui traduit aussi la place sociologique laissée aux femmes dans ces sociétés. Le racisme du film est bien plus direct à travers la représentation du noir du Sud heureux de leurs conditions d'esclave et prêts volontairement à se battre pour leur "maître" confédéré alors que le noir du Nord est vu comme un barbare qui tue et viole. On pourrait citer aussi la place du Ku Klux Klan qui apparait comme une "armée de libération", le sauveur d'abord de la famille sudiste d'une milice noire dangereuse ("crazed negroes") puis de l'héroïne nordiste attaquée par un violeur de couleur à la fin du film.
Quand on sait ce qu'est cette organisation, cela fait froid dans le dos d'autant plus que le film a tant popularisé le Ku Klux Klan que celui-ci, disparu alors depuis 1871, va renaître quelques mois plus tard avant d'être interdit à nouveau en 1944 (le nouveau Ku Klux Klan choisit même un emblème largement inspiré d'une image du film avec un cavalier tenant une croix en feu). Et le distributeur du film avait choisi un membre du KKK sur son cheval présenté dans une posture héroïque ou à côté de l'héroïne. Et pour ceux qui auraient encore des doutes sur le racisme incroyable du film, voici un carton tiré du début du film :
" the bringing of the Africa to America planted the first seed of the disunion ".
On voit alors toute la difficulté morale à conduire le spectateur à retenir une lecture fabulisante. Naissance d'une nation est-il un bon film ? Ça dépend de la définition qu'on donne à un "film" et ce qu'on peut qualifier de "bon". Le débat peut perdurer car il est étroitement lié au regard avec lequel on voit un film.
[1] De la même façon qu'Avatar (2009) ne fut pas le premier film en 3D stéréoscopique, mais sa popularité lui permis d'attirer un nouveau public découvrant cette nouvelle technique avec lui. En ce sens, Naissance d'une nation reprend les nouveautés techniques des films italiens Quo Vadis (1913) d'Enrico Guazzoni et Cabirira (1914) de Giovanni Pastrone. Au niveau de l'exploitation, comme les salles de 2009 s'équipèrent à la 3D, les cinémas de 1915 se sont organisés avec des salles sédentaires de grande capacité.
[1] De la même façon qu'Avatar (2009) ne fut pas le premier film en 3D stéréoscopique, mais sa popularité lui permis d'attirer un nouveau public découvrant cette nouvelle technique avec lui. En ce sens, Naissance d'une nation reprend les nouveautés techniques des films italiens Quo Vadis (1913) d'Enrico Guazzoni et Cabirira (1914) de Giovanni Pastrone. Au niveau de l'exploitation, comme les salles de 2009 s'équipèrent à la 3D, les cinémas de 1915 se sont organisés avec des salles sédentaires de grande capacité.
Flux RSS
