Avec le retour sur les écrans du célèbre archéologue pour une cinquième (et dernière) aventure, c'est un cycle qui s'achève. Le héros parait anachronique aujourd'hui. Pourtant Indiana Jones s'est construit dès le début comme un personnage à la fois d'une autre époque et aussi le résultat bien actuel de la cinéphilie de ses créateurs.

Dans les années 70, de jeunes cinéastes prenaient le pouvoir. Précédemment, les grands studios contrôlaient toute la chaîne de fabrication et imposaient une certaine vision de la société. Mais la génération qui arrive alors s’est construite sur une double référence qui va donner le « Nouvel Hollywood » :
   - les feuilletons télévisés qui ont forgé l’imagerie des enfants des années 50,
   - la contestation des valeurs des étudiants des années 60.
Si Francis Coppola ou Martin Scorsese privilégient la seconde tendance pour aborder des thèmes jusqu’alors tabous au cinéma, George Lucas et Steven Spielberg se revendiquent plutôt comme des enfants de la télévision.

C’est Lucas qui convainc son ami de filmer une histoire inspirée des serials autour de l’Arche d’alliance à retrouver avant les nazis.
Créer à deux oblige aux compromis. Alors que Spielberg imagine un noble aventurier crasseux, Lucas veut un playboy pilleur de tombes menant grande vie. Le scénario synthétisera ces visions opposées avec la double vie du héros : professeur émérite dans le civil mais aventurier mal rasé sur le terrain.

Pour créer l’ambiance du film, les références sont nombreuses : le trésor de la Sierra Madre (1948) et le défilé de la mort (1943) pour le look d’Indy ou le Secret des Incas (1954) et Zorro (1937) pour les péripéties. Mais le ton du film est donné par un film avec Jean-Paul Belmondo et une BD belge : Spielberg se souvient avoir apprécié L’homme de Rio (1964) mais il ignore que ce film français s’inspire de Tintin. Ce n’est qu’après la sortie au cinéma que Spielberg découvrira le petit reporter belge et en achètera les droits pour en faire un film 30 ans plus tard.

Le choix d’acteur pour jouer Indiana Smith (1er patronyme du héros) ne fut pas évident. Tom Selleck d’abord envisagé dut refuser pour incompatibilité d’agenda avec la série Magnum. Harrison Ford est alors imposé par Spielberg face à un Lucas réticent à réembaucher son acteur de Star Wars. Le comédien apporte une touche old school et aussi une certaine ironie.

Cette ironie va parfaitement avec un scénario qui décrit Indiana Jones comme téméraire et gaffeur. Chaque action héroïque est contrebalancée par de l’autodérision. Un exemple : le combat au sabre qui s’annonçait épique est avorté lorsque l’archéologue sort son pistolet pour se débarrasser de son adversaire. Cette scène improvisée au tournage reste un des meilleurs gags du cinéma et s’intègre parfaitement au film.

Au final, Indiana Jones (1981) s’avère une parodie du film d’aventure des années 30 tout en restant un grand film du genre. C’est cette double lecture, premier degré et méta, qui lui permettra de clore le Nouvel Hollywood (pour un nouveau cinéma de divertissement) et de rester intemporel. La marque d’un chef d’œuvre, indéniablement

Il y a trente ans, le 11 juin 1993, sortait aux Etats-Unis Jurassic park qui allait faire basculer l'histoire des effets spéciaux dans l'ère digital. Un film qui fait écho à la filmographie du créateur de E.T.

Steven Spielberg était alors le wonder boy du box-office cumulant les succès depuis une vingtaine d’années. Il s’était fait connaître en concevant, à 24 ans, un téléfilm, adapté d’une courte nouvelle parue dans Playboy, qui voyait un automobiliste lutter pour sa survie face à un camion hostile et anonyme : Duel .
L’’accueil fut tel qu’Universal décida de l’exploiter au cinéma en Europe. Le studio le proposa au premier festival du film fantastique d’Avoriaz (présidé par René Clément, le réalisateur de Jeux interdits) où il gagna le Grand Prix. Le décor désertique renvoie à l’univers du western d’un affrontement entre le bien et le mal dans un monde sauvage.
Déjà le cinéaste américain pose les bases de son cinéma : l’homme ordinaire (le héros s’appelle d’ailleurs « Mann ») confronté à une situation extraordinaire. Ici un monstre mécanique via un énorme camion citerne.

Il reprendra ce même principe trois ans plus tard en adaptant le livre Jaws (« Les dents de la mer » en français), toujours pour Universal. Si dans le roman, le personnage principal est arrogant, vulgaire, et même lubrique, il devient un américain moyen, sympathique et attaché à sa famille qui s’imposera comme le véritable héros à côté, pourtant, de deux spécialistes de la mer (un pêcheur et un océanographe). Ce qui intéresse Spielberg dans ce roman, c’est la seconde partie où les protagonistes luttent pour leur survie, seuls sur un bateau au milieu de l’ocean vide et sauvage : pour une chasse extraordinaire. Ici un monstre aquatique via un grand requin blanc.

Et donc en 1993, Spielberg remet ça avec Jurassic Park. Cette fois encore, il y a à l’origine une œuvre littéraire préalablement, un roman écrit par Michael Crichton avec qui le réalisateur coopérait sur la série Urgence. Il a donc accès au roman avant sa parution. Et Universal et Spielberg (co-producteur également) n’hésitent pas à débourser 1,5 M€ pour en acheter les droits. Il change le héros hâbleur et baroudeur en un introverti récalcitrant à grimper aux arbres, plus conforme à son idée de l’américain moyen auquel le spectateur pourra s’identifier lorsqu’il luttera pour sa survie. Le film place les protagonistes sur une île isolée et encore sauvage pour une traque inversée. Ici le chasseur est un monstre préhistorique via un tyrannosaure rex.

Dans Rencontre du troisième type, écrit par Steven Spielberg lui-même, un personnage décrit ainsi les personnes qui ont reçu le message extraterrestre : « ce sont des gens ordinaires dans des circonstances extraordinaires ». Il utilisera ce même procédé avec E.T.. Sauf que ces « gens ordinaires » sont alors un alien abandonné à trois millions d’années lumière de chez lui. Ici face aux pires monstres de l’univers, les humains.

​A l'heure où les capacités de l'intelligence artificielle interrogent sur l'obsolescence de certains emplois et l'éthique des algorithmes, certains précurseurs de l'IA sonnent l'alerte rappelant quelques prophéties bien connues des cinéphiles, le cinéma se projetant dès 1902 et Méliès dans notre futur.

Il y a juste un siècle Fritz Lang et son épouse Thea von Harbou imaginent le premier robot prenant apparence humaine, en l’occurrence d’une femme. Déjà le danger de l’IA est là, même s’il faudra attendre presque 25 ans et les travaux de Alan Turing - héros du film Imitation game - pour que les premiers travaux scientifiques s’organisent autour de la recherche pour imiter l’intelligence humaine, voire de la dépasser.

Le cinéma de science-fiction sera friand de cette capacité projetée des ordinateurs. Il s’agit au début d’assister l’Homme (comme dans Planète interdite en 1956). Mais les scénaristes en perçoivent le potentiel dramatique : le robot d’abord docile se révolte comme dans Westworld (le film, 1973) puis plus tard dans Alien, Terminator, I Robot et même Avengers (Ultron).

Déjà Hall900, l’ordinateur de bord de 2001 : l’Odyssée de l’espace (1968), devenait un danger. Car l’IA n’a pas besoin d’être humanoïde pour être dangereuse. Dans Wargames (1983), c’est un PC de gamer raccordé à l’ancêtre d’internet qui s’apprête à lancer une guerre nucléaire, par jeu. Moins réalistes, les univers japonais de Ghost in the shell (1995) et américain de Matrix (1999) montraient un monde où le code prenait le pouvoir à l’image de Tron (1982), premier film en image de synthèse.

Mais les meilleurs films ont plutôt utilisé ce thème pour aller challenger ce qui fait la conscience humaine en confrontant l’Homme à sa copie numérique. C’est au cœur de :
- Blade runner et ses replicants voulant juste vivre au-delà de leur date de péremption (« tous ces moments se perdront dans le temps… comme les larmes dans la pluie »),
- Electric dreams et son ordinateur amoureux (« Qu’est-ce qu’un rêve ? »),
- I.A. et son humanoïde rêvant d’être aimé comme un vrai petit garçon (« Je ne suis pas un jouet ! »),
- Ex-machina et sa femme-objet voulant échapper à ce statut (« n’est-ce pas étrange de créer quelque chose qui vous déteste ? »),
- Wall-e et son émouvant robot (« pendant 700 ans, il a fait ce pourquoi il a été programmé, il va enfin découvrir sa véritable destinée »),
- Westword - la série - et ses « hôtes » désirant rencontrer leur créateur (« certaines personnes choisissent de voir la laideur de ce monde, sa confusion. Je choisis d’en voir la beauté. Pour croire qu’il y a un sens à nos vies »).

Et lorsque l’humain comprend que l’intelligence artificielle ne s’avère n’être qu’une machine, c’est le héros de Her qui déprime… après avoir enfin connu une « vraie relation ».

Décidément, voilà un sujet bien compliqué. Humainement